Samantha Bohatsch, Autor bei SAMANTHA BOHATSCH

Pallas

EN
What's love got to do, got to do with it? What's love but a sweet old-fashioned notion?

Inspired by the fateful relationship between the Greek goddess Athena and the warrioress Pallas, Samantha Bohatsch transforms the flamingo project space–for its second solo exhibition–into a scene of stage-like (re-)enactment. Through painterly, sculptural, spatial, and performative interventions, she creates a multimedia installation, which balances different temporalities. Personal and found, subjective and collective as well as contemporary and historical narratives come together, whose threads oscillate between fusion and independence. Her installation not only reviews and questions the authenticity of the mythological saga and its heritage, but also arouses an abstract projection surface. The exhibition "Pallas" thus creates an open context in which diverse identities are assigned a space for identification and in which not only opposites attract.

Text: Hendrike Nagel

DE
What's love got to do, got to do with it? What's love but a sweet old-fashioned notion?

Inspiriert durch die schicksalhafte Beziehung der beiden griechischen Göttinnen Pallas und Athena, verwandelt Samantha Bohatsch den Projektraum flamingo für seine zweite Ausstellung in einen Raum bühnenhafter (Re-)Inszenierung. Ihre multimediale Installation lässt sie durch malerische, skulpturale, räumliche und performative Eingriffen entstehen. Hier treffen eigene und gefundene, subjektive und kollektive sowie zeitgenößische und historische Narrationen zusammen, deren Erzählstränge Bohatsch zwischen Verschmelzung und Eigenständigkeit oszillieren lässt. So wird nicht nur die Authentizität jener mythologischen Sage und ihre Überlieferung einer zeitgemäßen Überprüfung und Fortschreibung unterzogen, sondern insbesondere eine abstrakte Projektionsfläche geschaffen. Die Ausstellung “Pallas” kreiert damit einen offenen Kontext, in welchem diversen Identitäten ein Raum für Identifikation zugesprochen wird und in welchem nicht nur opposites attract.

Text: Hendrike Nagel

CORE

EN
CORE (2019) is a walk through centuries, through the woods and the lakes, reaching the depths of the unconscious and dreams. With her piece, Samantha Bohatsch dives into the eternal interpersonal communication and transmission channels of female figures. Great ladies such as the commonly named Venus of Monruz, excavated with her peers from the sites on the shore of lake Neuchâtel, the witches of the Jura, Maria Magdalena and other female ancestors and archetypes, intertwine like many internal voices that seem to immerge from the same entrails. CORE deals with (re)birth, everchanging and commutable bodies, the loss of landmarks and finding the way home.

Text: Marie du Pasquier

DE
CORE (2019) ist ein Gang durch Jahrhunderte, durch Wälder und Seen, der die Tiefen des Unbewussten und der Träume erreicht. Mit ihrem Werk taucht Samantha Bohatsch in die ewige zwischenmenschliche Kommunikation und Übertragungswege weiblicher Stimmen ein. Bedeutende weiblicher Figuren wie die als Venus von Monruz bezeichnete, zusammen mit ihren Zeitgenossinnen an den Ufern des Neuenburger Sees ausgegraben, die Hexen des Juras, Maria Magdalena und andere weibliche Vorfahren und Archetypen, verweben sich wie viele innere Stimmen, die aus denselben Tiefen emporzusteigen scheinen. CORE beschäftigt sich mit (Wieder-)Geburt, sich immerzu wandelnde Körpern, dem Verlust von Orientierungspunkten und dem Finden des Weges nach Hause.

Text: Marie DuPasquier

Scorpio Season

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Scorpio Season (2019) follows its protagonist through a night in the club, which stretches until the sunrise of the following day. She speaks to and about another woman she encounters again, and together they move through the night. The work explores the fragility of club encounters and the difficulty of truly grasping them, despite their intensity.

The piece consists of a text and an acid house set, recorded live in a Berlin club where the artist worked for a gay party series. During the performance, the set is repeatedly turned down, making the music sound muffled and distant – as if coming from an adjoining room, like the toilet or cloakroom. This acoustic manipulation enhances the sense of both distance and intimacy, turning the music into a continuous rhythm of the night.

The text flows over the set, interrupted by the pulsating beats that accompany the moment. The distorted soundscape blends with the protagonist's memories and thoughts as she describes her encounter with the other woman. In this atmosphere, the boundaries between memory and present blur, and the night in the club becomes a space where time and distance dissolve.

Scorpio Season examines the fleeting connections within club culture and the physical and emotional intensity of such experiences. The text conveys an almost tangible closeness between the two women, while the music deepens the sense of timelessness and dissolution. The line between memory and present fades, and the night appears as an endless moment of passion and loss.

DE
Scorpio Season (2019) begleitet seine Protagonistin durch eine Clubnacht, die mit dem Sonnenuntergang des darauffolgenden Tages endet. Sie spricht zu und über eine andere Clubgängerin, die sie wiedertrifft, und gemeinsam bewegen sie sich durch die Nacht. Die Arbeit thematisiert die Fragilität von Clubbekanntschaften und die Schwierigkeit, diese trotz ihrer Intensität wirklich zu fassen.

Die Arbeit setzt sich aus einem Text und einem Acid-House-Set zusammen, das live in einem Berliner Club aufgenommen wurde, in dem die Künstlerin für eine schwule Partyreihe arbeitete. Während der Performance wird das Set immer wieder heruntergedreht, sodass die Musik dumpf und entfernt klingt – wie aus einem Nebenraum, etwa der Toilette oder der Garderobe. Diese akustische Manipulation verstärkt das Gefühl von Distanz und Intimität zugleich und lässt die Musik als kontinuierlichen Rhythmus der Nacht erscheinen.

Der Text fließt über das Set hinweg und wird durch die pulsierenden Beats unterbrochen, die den Moment begleiten. Die verzerrte Klangwelt vermischt sich mit den Erinnerungen und Gedanken der Protagonistin, die ihre Begegnung mit der anderen Clubgängerin beschreibt. In dieser Atmosphäre verschwimmen die Grenzen zwischen Erinnerung und Gegenwart, und die Clubnacht wird zu einem Raum, in dem Zeit und Distanz aufgelöst werden.

Scorpio Season thematisiert die flüchtigen Verbindungen der Clubkultur sowie die körperliche und emotionale Intensität solcher Erlebnisse. Der Text vermittelt eine fast greifbare Nähe zwischen den beiden Protagonistinnen, während die Musik das Gefühl der Zeitlosigkeit und Auflösung verstärkt. Die Grenze zwischen Erinnerung und Gegenwart verschwimmt, und die Nacht erscheint als unendlicher Moment von Leidenschaft und Verlust.

The Lovers

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The Lovers (2018) is a risograph print consisting of found images – an engraving of a lily, along with a drawing of Hildegard of Bingen, a German nun and mystic from the 12th century, and Richardis of Stade. Richardis of Stade, who lived as a nun in Hildegard of Bingen’s convent, was her closest confidante. It is suspected that the two women had a romantic relationship. Later, Richardis was relocated by her family to a convent in northern Germany, where she passed away within a year.

The color scheme of The Lovers is inspired by the traditional colors of early printing – red and black, which lends the work a symbolic depth. The collage explores a hidden yet significant connection between the two women and addresses themes of love, loss, and the invisibility of historical relationships.

The Lovers was released as a Jahresgabe of the Neuer Essener Kunstverein and merges historical iconography with a contemporary reflection on female intimacy and forbidden relationships.

DE
The Lovers (2018) ist ein Risographiedruck, der aus gefundenen Bildern besteht – einem Stich einer Lilie sowie einer Zeichnung von Hildegard von Bingen, einer deutschen Nonne und Mystikerin des 12. Jahrhunderts, und Richardis von Stade. Richardis von Stade, die als Nonne im Kloster von Hildegard von Bingen lebte, war deren engste Vertraute. Es wird vermutet, dass die beiden eine Liebesbeziehung führten. Richardis von Stade wurde später von ihrer Familie in ein Kloster in Norddeutschland versetzt und verstarb dort innerhalb eines Jahres.

Die Farbgebung von The Lovers orientiert sich an den traditionellen Farben des frühen Buchdrucks – Rot und Schwarz, was der Arbeit eine symbolische Tiefe verleiht. Die Collage thematisiert eine verborgene, jedoch bedeutende Verbindung zwischen den beiden Frauen und setzt sich mit den Themen Liebe, Verlust und der Unsichtbarkeit historischer Beziehungen auseinander.

The Lovers wurde als Jahresgabe für den Neuer Essener Kunstverein veröffentlicht und verbindet historische Bildsprache mit einer modernen Auseinandersetzung mit weiblicher Intimität und verbotenen Beziehungen.

Publication: SHE SAID

EN
The publication for SHE SAID (2018) was created as part of the Goldrausch Artists’ Project and presents the work in the form of a booklet slightly larger than A4. The gold-leafed cover features the title of the work and the artist's name. Upon opening the booklet, a black-and-white illustration is revealed on the inside of the cover, divided by the text: on the left, Hildegard of Bingen is depicted receiving a vision, and on the right, the monk Volmar, who wrote down her visions.

She Said explores the protagonist’s internal truths as they collide with societal expectations. Inspired by Hildegard of Bingen, who concealed her gift of receiving visions for many years out of fear of being excluded, the work reflects the moment of realization and the inner conflict of being different.

The main section of the publication features the text of the reading performance in large print to emphasize the presence of the performance. The booklet was designed by Studio Lisa Pommerenke. Additionally, the publication includes an essay by Mitch Speed, contextualizing Samantha Bohatsch's work and deepening the underlying themes.

DE
Die Publikation zu SHE SAID (2018) wurde im Rahmen des Goldrausch Künstlerinnenprojekts erstellt und präsentiert die Arbeit in Form eines Hefts, das etwas größer als A4 ist. Der vergoldete Umschlag trägt den Titel der Arbeit sowie den Namen der Künstlerin. Beim Aufschlagen des Hefts ist auf der Innenseite des Umschlags eine Schwarz-Weiß-Zeichnung abgebildet, die durch den Text geteilt wird: Links sieht man Hildegard von Bingen, die eine Vision empfängt, und rechts den Mönch Volmar, der ihre Visionen niederschrieb.

She Said thematisiert die Auseinandersetzung der Protagonistin mit ihren inneren Wahrheiten, die mit den gesellschaftlichen Erwartungen kollidieren. Inspiriert von Hildegard von Bingen, die ihre Gabe, Visionen zu empfangen, lange verheimlichte, aus Angst, ausgeschlossen zu werden, beleuchtet die Arbeit den Moment der Erkenntnis und den inneren Konflikt, anders zu sein.

Der Hauptteil der Publikation enthält den Text der Reading-Performance in großer Schrift, um die Präsenz der Performance zu betonen. Gestaltet wurde das Heft von Studio Lisa Pommerenke. Zusätzlich enthält die Publikation ein Essay von Mitch Speed, das das Werk von Samantha Bohatsch kontextualisiert und die zugrunde liegenden Themen vertieft.

SHE SAID

EN
In SHE SAID (2018) by Samantha Bohatsch, a nameless protagonist experiences how her inner truths collide with the expectations of the world. Her voice begins, hesitates, breaks through.

The work is inspired by Hildegard of Bingen, the German nun and mystic from the 12th century. For forty years, she kept her gift of receiving visions a secret, fearing she would be cast out. What if the recognition itself is the break? What if there is nothing to say – just a door that opens and doesn’t close again?

SHE SAID was Bohatsch’s first reading performance. Dressed in black, she stands motionless in the room, holding her phone from which she reads the text. She does not move, becoming a sculpture herself. The words take center stage, detached from the body that speaks them. It is an act of restraint and at the same time of revelation – a moment in which visibility and invisibility wrestle with each other.

The work exists as a reading performance and a 1-channel sound piece. A speaker on a stand, at eye level with the artist, speaks in her place. The speaker is flanked by a gauze curtain – a thin veil that both protects and connects.

SHE SAID is a work about recognition. About the moment when everything is different. About a truth that is not only one's own.

DE
In SHE SAID (2018) von Samantha Bohatsch erlebt eine namenlose Protagonistin, wie ihre inneren Wahrheiten mit den Erwartungen der Welt kollidieren. Ihre Stimme setzt an, zögert, bricht sich Bahn.

Die Arbeit ist inspiriert von Hildegard von Bingen, der deutschen Nonne und Mystikerin des 12. Jahrhunderts. Vierzig Jahre lang verschwieg sie ihre Gabe, Visionen zu empfangen, aus Angst, ausgestoßen zu werden. Was, wenn das Erkennen selbst der Bruch ist? Was, wenn es nichts zu sagen gibt – nur eine Tür, die sich öffnet und nicht mehr schließt?

SHE SAID war Bohatschs erste Reading-Performance. Schwarz gekleidet, steht sie regungslos im Raum, das Mobiltelefon in der Hand, von dem sie den Text abliest. Sie bewegt sich nicht, wird selbst zur Skulptur. Die Worte treten in den Vordergrund, losgelöst vom Körper, der sie spricht. Es ist eine Geste der Zurückhaltung und zugleich der Offenbarung – ein Moment, in dem Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit miteinander ringen.

Die Arbeit existiert als Reading-Performance und als 1-Kanal Soundarbeit. Ein Lautsprecher auf einem Stativ, auf Augenhöhe mit der Künstlerin, spricht an ihrer Stelle. Gesäumt wird der Lautsprecher von einem Gazevorhang – ein dünner Schleier, der schützt und verbindet.

SHE SAID ist ein Werk über Erkenntnis. Über den Moment, in dem alles anders ist. Über eine Wahrheit, die nicht nur die eigene ist.

mixed feelings

EN
Mixed Feelings (2017) is a four-minute audio piece by Samantha Bohatsch, presented through headphones in the exhibition space. The work addresses the diverse and often contradictory experiences of relationships and love in the modern digital world, with a particular focus on lesbian and queer identities.

Mixed Feelings tells of the instability and emotional highs and lows that come with meeting new people and searching for connection in a big city like Berlin. The work reflects the intense moments of closeness and intimacy that often arise in the context of modern, fleeting communication, but also the alienation and sense of distance caused by digital media and the anonymity of urban life.

The soundscape is a mix of noises from everyday life in Berlin—street sounds, passersby, and sounds from public transportation. These are combined with hummed melodies of Lady Gaga-Tracks, which amplify the emotional undertones of the narrative. In one section of the work, the artist leads a breathing exercise that is synchronized with a GIF of a triangle growing and shrinking— a moment that invites self-soothing and reflection on anxieties and desires.

Mixed Feelings invites reflection on the complexity of relationships—the search for intimacy in a world shaped by uncertainty and fragmentation, and the contradictory emotions that digital communication and modern lifestyles bring with them.

DE
Mixed Feelings (2017) ist eine vierminütige Audioarbeit von Samantha Bohatsch, die über Kopfhörer im Ausstellungsraum zu hören ist. Die Arbeit thematisiert die unterschiedlichen und oft widersprüchlichen Erfahrungen von Beziehungen und Liebe in der modernen, digitalen Welt, mit einem besonderen Fokus auf lesbische und queere Identitäten.

Mixed Feelings erzählt von der Unbeständigkeit und den emotionalen Höhen und Tiefen, die mit dem Kennenlernen von Menschen und der Suche nach Verbindung in einer Großstadt wie Berlin verbunden sind. Die Arbeit spiegelt die intensiven Momente von Nähe und Intimität wider, die oft im Kontext der modernen, flüchtigen Kommunikation entstehen, aber auch die Entfremdung und das Gefühl der Distanz, das durch digitale Medien und die Anonymität des städtischen Lebens hervorgerufen wird.

Die Klanglandschaft ist eine Mischung aus Geräuschen aus dem Berliner Alltag – Straßenlärm, Passanten und Geräusche aus öffentlichen Verkehrsmitteln. Diese werden mit gesummten Melodien von Lady Gaga-Songs kombiniert, die die emotionale Schwingung der Erzählung verstärken. In einem Abschnitt der Arbeit leitet die Künstlerin es eine Atemübung an, die in synchroner Verbindung mit einem GIF eines sich vergrößernden und verkleinernden Dreiecks durchgeführt wird – ein Moment, der zur Selbstberuhigung und Reflexion über Ängste und Sehnsüchte einlädt.

Mixed Feelings lädt ein, über die Komplexität von Beziehungen nachzudenken – über das Suchen nach Nähe in einer Welt, die von Unsicherheit und Fragmentierung geprägt ist, und über die widersprüchlichen Emotionen, die digitale Kommunikation und moderne Lebensweisen mit sich bringen.

a girl’s life

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The installation a girl’s life (2015) by Samantha Bohatsch consists of a construction fence and four large-format posters in A1 size, printed on billposting paper – a material commonly used for street advertising. The blue-backed billposting paper prevents other posters from showing through, enhancing the visibility of the images. The posters feature well-known personalities who visually move between the common concepts of "male" and "female." What does it mean for queer youth to grow up in a binary world? a girl’s life addresses the question of how role models and idols influence the lives and identities of young people.

Inspired by American high school films from the 90s, the work evokes the image of sports fields separated by fences. In almost every one of these films, there is a scene where teenagers lean against the fences of the sports fields before hitting a baseball. They stand there, waiting for their future. Their identity and path to self-discovery hang between society's expectations and their own desires.

The construction fence in the installation serves as a display for the posters while also symbolizing a boundary that both protects and restricts – an image of growing up in a world dominated by binary gender representations. Behind the fence, a space emerges that is not yet fully accessible or visible, intensifying the feeling of waiting and uncertainty. At the same time, the posters feature individuals who move between gender roles and appear confident, reflecting the fluid transition from societal expectations to individual identity. a girl’s life invites reflection on rigid gender roles and restrictive societal norms – and on the possibilities of living an independent, self-determined life beyond these expectations.

DE
Die Installation a girl’s life (2015) von Samantha Bohatsch besteht aus einem Bauzaun und vier großformatigen Postern in A1-Größe, die auf Affichenpapier gedruckt sind – einem Material, das häufig für Straßenwerbung verwendet wird. Das Affichenpapier, das hinten blau ist, verhindert, dass andere Poster durchscheinen, und verstärkt damit die Sichtbarkeit der Bilder. Auf den Postern sind bekannte Persönlichkeiten abgebildet, die sich optisch zwischen den gängigen Vorstellungen von „männlich“ und „weiblich“ bewegen. Was bedeutet es für queere Jugendliche, in einer binären Welt aufzuwachsen? a girl’s life beschäftigt sich mit der Frage, wie Vorbilder und Idole das Leben und die Identität junger Menschen beeinflussen.

Inspiriert von amerikanischen Highschool-Filmen der 90er Jahre greift die Arbeit das Bild von Sportplätzen auf, die durch Zäune getrennt sind. In fast jedem dieser Filme gibt es eine Szene, in der Jugendliche an den Zäunen der Sportplätze lehnen, bevor sie einen Baseball schlagen. Sie stehen dort und warten auf ihre Zukunft. Ihre Identität und ihr Weg zur Selbstfindung hängen zwischen den Erwartungen der Gesellschaft und ihren eigenen Wünschen.

Der Bauzaun in der Installation dient als Display für die Poster und symbolisiert zugleich eine Grenze, die sowohl schützt als auch einschränkt – ein Bild für das Aufwachsen in einer Welt, die vor allem binäre Geschlechterbilder kennt. Hinter dem Zaun entsteht ein Raum, der noch nicht vollständig zugänglich oder sichtbar ist, was das Gefühl von Warten und Ungewissheit verstärkt. Gleichzeitig zeigen die Poster Menschen, die sich zwischen den Geschlechterrollen bewegen und selbstbewusst wirken, was den fließenden Übergang von gesellschaftlichen Erwartungen zu individueller Identität widerspiegelt. a girl’s life lädt dazu ein, über starre Geschlechterrollen und einengende gesellschaftliche Normen nachzudenken – und über die Möglichkeiten, jenseits dieser Erwartungen ein eigenes, selbstbestimmtes Leben zu führen.

a girl’s life

Publication: Fanzine

EN
Fanzine (2015) is the artistic contribution by Samantha Bohatsch for the TOP15 Master's Students Catalogue of the State Academy of Fine Arts Karlsruhe, which was published in the same year. The publication is closely linked to her Master's project a girl's life (2015) and forms part of her artistic research that explores the fluidities of gender and identity.

The layout and glossy paper of Fanzine evoke the aesthetic of fashion publications – a deliberate reference to the visual world of pop culture and fashion, whose photographs partially appear in the publication. However, these images are recontextualized, showing individuals who move between the binary stereotypes of "male" and "female." Through this re-staging, Bohatsch challenges conventional notions of identity, gender, and their representation in fashion and pop culture.

With Fanzine, Bohatsch creates a work that deconstructs existing visual codes and directs attention to the fluid facets of gender and identity. It is a critical and poetic engagement with societal norms and their representation, which also serves as a deeper reflection and research on her Master's project a girl's life.

DE
Fanzine (2015) ist der künstlerische Beitrag von Samantha Bohatsch für den TOP15 Meisterschüler*innenkatalog der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe, der im selben Jahr erschienen ist. Die Publikation ist eng mit ihrer Meisterschülerarbeit a girl's life (2015) verknüpft und bildet einen Teil ihrer künstlerischen Recherche, die sich mit den Fluiditäten von Geschlecht und Identität auseinandersetzt.

Das Layout und das glänzende Papier von Fanzine erinnern an die Ästhetik von Modepublikationen – ein bewusster Verweis auf die visuelle Welt der Popkultur und Mode, deren Fotografien teilweise in der Publikation auftauchen. Diese Bilder werden jedoch neu kontextualisiert und zeigen Menschen, die sich zwischen den binären Klischees von „männlich“ und „weiblich“ bewegen. Durch diese Neuinszenierung hinterfragt Bohatsch gängige Vorstellungen von Identität, Geschlecht und deren Darstellung in der Mode- und Popkultur.

Mit Fanzine erschafft Bohatsch ein Werk, das bestehende visuelle Codes dekonstruiert und den Blick auf die fluiden Facetten von Geschlecht und Identität lenkt. Es ist eine kritische und poetische Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen Normen und deren Repräsentation, die gleichzeitig als vertiefte Reflexion und Recherche zu ihrer Meisterschülerarbeit a girl's life dient.